[피터구트만칼럼] 라흐마니노프 피협2번 비평 및 최고 음반 리뷰
[피터구트만칼럼] 라흐마니노프 피협2번 비평 및 최고 음반 리뷰
세르게이 라흐마니노프(1873~1943) 
는 당대 최고의 피아니스트 중 한 명으로 추앙받았지만, 그의 음악은 단순한 연주자에게 더 이상 기대할 수 있는 것이 없다는 듯 진부하다는 평가를 받기도 했습니다.
그러한 경멸은 과거와 현재의 역사적 맥락을 고려했을 때 도저히 옹호할 수 없습니다. 
쇼팽, 슈만, 리스트와 같은 이전 세대의 위대한 피아니스트들, 그리고 그 이전의 모차르트와 베토벤은 모두 자신들의 명곡들을 연주하는 센세이셔널한 콘서트를 통해 비평가들을 사로잡고 영원한 명성을 얻었습니다. 오늘날 우리는 듀크 엘링턴, 밥 딜런, 비틀즈와 같은 재즈, 포크, 록 아이콘들을 그들의 독특한 음반뿐만 아니라 그들이 작곡한 음악 때문에 기리고 있습니다.
라흐마니노프의 문제는 시대적 배경의 문제였습니다. 그는 급속한 미학적 진보와 건조한 지적 탐구가 지배하던 시대에 노골적으로 낭만주의적이고 깊이 있는 전통주의를 추구했습니다. 그는 음악은 머리가 아닌 마음에서 나와야 한다고 자주 말했습니다. 오늘날 청중들이 대부분의 현대 진지한 음악의 표현력 부족에서 벗어나고자 하는 시대에, 라흐마니노프가 한 세대 늦게 태어났다는 사실은 그다지 중요하게 여겨지지 않는 것 같습니다. 하지만 그의 시대에는 분명히 중요한 문제였습니다. 편협한 비평의 대표적인 예로, 권위 있는 음악 사전인 『그로브스 음악 사전』은 1954년판에서도 라흐마니노프의 음악에 대해 "효과적이지만 질감이 단조롭고", "본질적으로 아르페지오에서 파생된 다양한 악구가 반주되는 인위적이고 과장된 선율로 이루어져 있다"며 "라흐마니노프의 몇몇 작품이 생전에 누렸던 엄청난 대중적 성공은 오래가지 못할 것"이라고 혹평했습니다. 
(2001년 최신판에서 그로브스는 이전 평가를 완전히 반박하며 부분적으로 만회했습니다. "그는 연주자로서의 자신의 명성을 지나치게 공허한 기교만을 뽐내는 음악을 작곡하는 데 사용하지 않고, 오히려 악기의 표현 가능성을 최대한 탐구하는 데 사용했습니다. … 라흐마니노프의 서정적 영감은 가장 영감이 넘칠 때 비할 데가 없습니다." 이전에는 "단조롭다"고 혹평받았던 음색조차도 이제는 "미묘하게 변화하고" "섬세하게 대비된다"고 극찬받았습니다.)
겉보기엔 고풍스러운 인물처럼 보이지만, 라흐마니노프는 매우 독특한 음악 경력을 쌓았습니다. 모스크바 음악원에서 최고 점수를 받고, 엄격한 스승 니콜라이 스베로프에게 5년간 집중적인 피아노 교육을 받은 그는, 19세에 C# 단조 전주곡으로 일약 스타덤에 올랐습니다 . 이 곡은 4분 길이의, 애절하고 강렬한 반음계적 선율로 가득 차 있어, 관객들은 앙코르 곡으로 연주되기 위해 기꺼이 연주회 전체를 관람할 정도였습니다. 무명의 학생에게는 성공적인 데뷔 무대였지만, 라흐마니노프는 훗날 이 초창기 작품이 자신의 성숙하고 더욱 깊이 있는 작품들을 가려버린 것을 후회하게 됩니다.
1897년, 라흐마니노프는 자신의 작품 연주회와 더불어 지휘자로서의 경력을 시작했습니다. 처음에는 철도 재벌이 새로 설립한 오페라단에서, 그 후에는 볼쇼이 오페라단에서 러시아 레퍼토리를 전문적으로 지휘했습니다. (이러한 행보는 드문 일이 아니었습니다. 멘델스존부터 번스타인, 프레빈, 아슈케나지까지 수많은 유명 피아니스트들이 피아노 건반 대신 지휘봉을 들었으니까요.) 정식 교육을 받지 않았음에도 불구하고 그는 직관적으로 지휘를 익혔고, 자신의 작품을 제외한 모든 오페라에서 꾸준한 성공을 거두었습니다. 1905년에는 오케스트라 협연 시리즈를 시작했고, 이듬해부터는 이 활동에 전념했습니다. 
배리 마틴은 그의 지휘 방식을 정확하고 까다롭다고 묘사했으며, 그의 지휘대 스타일은 겉으로는 차분해 보이지만, 내면의 평정심과 절제력에서 비롯된 강렬함을 지닌다고 평했습니다. 절제된 몸짓으로 유명했던 라흐마니노프는 침묵을 지키는 데에는 엄청난 힘이 필요하다고 설명했습니다. 그는 당대 최고의 지휘자 중 말러를 존경했는데, 말러의 철저한 준비 과정과 세심한 부분까지 신경 쓰는 모습에 깊은 감명을 받았기 때문입니다.
라흐마니노프의 레퍼토리는 다양했지만, 대부분의 지휘자들과 달리 그는 자신이 좋아하는 몇몇 곡만 반복해서 연주하는 틀에 박힌 방식을 고수하지 않았습니다. 실제로 마틴이 정리한 그의 평생 레퍼토리 목록에는 자신의 작품을 제외하고 세 번 이상 연주된 작품은 단 일곱 곡뿐인데, 그 작품들은 그리그의 페르 귄트 모음곡 1번 , 리스트의 피아노 협주곡 1번 과 죽음의 춤 , 무소르그스키의 민둥산의 밤 과 소로 친스키 축제 중 '고팍' , 그리고 차이코프스키의 피아노 협주곡 1번 과 교향곡 5번 입니다. 지휘자로서 그의 유일한 녹음은 필라델피아 오케스트라와 함께한 자신의 작품 '죽음의 섬 ' 과 짧은 보칼리제 의 오케스트라 편곡 (모두 1929년), 그리고 교향곡 3번 (1939년)입니다. 그는 거침없고 강력한 힘으로 작품을 표현하며, 복잡하고 산만한 구조를 가진 작품들을 새롭게 해석합니다.
라흐마니노프는 예술적 필요성보다는 현실적인 이유로 독주자로서의 경력을 재개했습니다. 1906년부터 그는 작곡과 자신의 작품 연주회에 집중해 왔지만, 러시아 혁명으로 인해 공개 연주회가 중단되고 그가 소중히 여기던 가치관이 위협받으며 미래가 불투명해졌습니다. 스칸디나비아 순회공연 후, 그는 휴전 기념일에 맞춰 미국으로 이민을 갔습니다. 1909년 방문 당시 쌓았던 명성 덕분에 매니저, 피아노 제조업체, 음반 회사, 그리고 보스턴과 신시내티 오케스트라를 비롯한 여러 오케스트라로부터 러브콜을 받았습니다. 
그러나 그는 가족을 부양하기 위해 독주에 전념하기로 하고 독주 프로그램을 구축하는 데 집중하여 매년 수십 곡의 신곡을 추가했습니다. 대부분의 위대한 피아니스트들은 어린 시절부터 신동으로 기량을 갈고닦기 시작했기에, 그들의 전성기는 수십 년에 걸친 연구, 숙달, 그리고 기교의 결정체라고 할 수 있습니다. 하지만 라흐마니노프는 40대 중반이 되어서야 다른 사람들의 작품에 관심을 갖기 시작했다.
워싱턴 헤럴드 에 글을 쓴 앤 N. 웨인버그는 이렇게 평했습니다. "작곡가들은 연주를 잘하는 경우가 드뭅니다. 자신의 창작 활동에 몰두하다 보니 다른 사람의 작품을 세심하고 성실하게 재현할 시간이나 의욕이 거의 없기 때문입니다." 그러나 세르게이 베르텐손과 제이 레이다는 "라흐마니노프는 자신의 작품을 연주할 때 스스로에게 요구하는 모든 것을 다른 사람의 작품을 연주할 때는 몇 배로 늘렸다"고 말합니다. 작곡가의 마음을 연주에 담아낸 라흐마니노프는 연주하는 모든 작품을 해체하여 그 본질을 발견하고 깊이 이해하려고 노력했습니다. 동료들은 그가 새로운 곡을 배울 때 악보보다 최대 20배 느리게 연주하고 건반 위아래로 각 화음을 반복해서 연주하곤 했다고 회상합니다. 해럴드 쇤베르크는 그를 위대한 건축가라고 불렀는데, 그는 리듬감, 음색, 프레이징을 강렬하면서도 정교하게 다듬는 거대한 기교를 통해 각 작품의 건축적인 웅장함과 거스를 수 없는 논리를 강조했습니다. 아브람 차신스는 라흐마니노프를 끊임없이 완벽을 추구하는 연주자로 기억하며, 그의 연주는 화음 내 각 요소의 균형에 집중했다고 회상했다. 라흐마니노프는 모든 곡에 "핵심", 즉 모든 요소가 수렴하는 신비로운 절정(반드시 클라이맥스는 아님)이 있으며, 각 음의 깊이와 힘은 신중하면서도 자연스럽게 그 지점으로 향하도록 계산되어 있다고 주장했다. 연주에서 자신이 "핵심"을 놓쳤다고 느낄 때면 라흐마니노프는 며칠 동안 깊고 견딜 수 없는 우울감에 빠지곤 했다.
올린 다운스는 1935년 뉴욕 리사이틀의 독특한 강렬함을 생생하게 묘사한 글을 남겼습니다.
라흐마니노프는 라디오 방송 출연을 단호히 거부했습니다. "진정으로 훌륭한 음악을 들을 때는 너무 편안해서는 안 됩니다. 좋은 음악을 감상하려면 정신적으로 깨어 있어야 하고 감정적으로도 열려 있어야 합니다. 집에서 의자에 발을 올려놓고 앉아 있으면 그럴 수 없습니다." 하지만 그는 녹음에 대해서는 그런 거리낌이 없었던 듯합니다. 녹음의 뛰어난 음질과 발매 전 오류를 수정할 수 있다는 점 때문이기도 합니다. 다행히 라흐마니노프의 음악은 약 8시간 분량의 독주 녹음으로 보존되어 있습니다. 그러나 아쉽게도 대부분은 콘서트 앙코르로 자주 연주되었던 짧고 때로는 진부한 곡들입니다. 음반사들은 더 가치 있는 곡 대신 이러한 곡들을 78rpm 싱글로 녹음하도록 아티스트들에게 강요했습니다. 실제로 라흐마니노프는 에디슨과 잠시 계약한 후 독점 계약을 맺었던 빅터 레코드사에 자신의 독주회 전곡을 녹음해 달라고 요청했지만, 빅터는 거절했습니다. 그가 자주 연주하여 큰 찬사를 받았던 리스트, 스크리아빈, 그리고 베토벤 소나타 13곡을 더 이상 들을 수 없게 된 것은 아쉽지만, 그의 뛰어난 창의력이 돋보이는 쇼팽 연주 한 시간과 그의 예술성을 충분히 보여주는 두 개의 주요 작품을 통해 우리는 그 찬사를 되새길 수 있습니다.
아마도 가장 주목할 만한 것은 라흐마니노프가 쇼팽 소나타 2번 작품번호 35를 혁신적으로 해석한 점일 것입니다 . 라흐마니노프는 격렬한 1악장의 역동성을 완전히 재구성하여, 러시아 음악에서 흔히 볼 수 있는 음량을 절제함으로써 클라이맥스를 강조하는 경향을 반영하고, 스케르초 의 중간 부분인 피우 렌토(più lento) 를 놀라운 리듬적 유연성으로 표현합니다. 하지만 가장 충격적인 해석의 변화는 3 악장 장례 행진곡에서 나타납니다. 잘 알려진 장엄한 죽음의 행진곡과 극도로 애틋한 중간 부분 이후, 악보에는 행진곡이 피아니시모 (매우 작게)로 다시 연주되도록 되어 있습니다. 그러나 라흐마니노프는 장례 행진곡의 재연을 엄청난 음량으로 시작한 다음 천천히 끝으로 내려갑니다. 그의 대담한 해석은 인간의 아름다움에 의해 달래지는 온화한 죽음의 모습에서 희망이나 기도에 전혀 흔들리지 않는, 불굴의 운명에 대한 암울한 비전으로 관점을 전환시킵니다. 숨 막힐 듯이 몰아치는 3연음표로 촘촘하게 짜인 짧은 마지막 악장은 그 분위기를 극대화시킨다. 라흐마니노프는 이 악장에서 끊임없이 격렬한 감정의 실타래를 끄집어내어 혼란스러운 인간 조건에 대한 불안한 비전을 제시하고, 이를 통해 익숙한 명곡에 놀라운 통찰력을 불어넣는다.
라흐마니노프는 1928년에 프리츠 크라이슬러와 함께 그리그 소나타 3번 C단조 , 베토벤 소나타 8번 G 장조 , 슈베르트 소나타 5번 A장조 등 세 곡의 중요한 이중창을 녹음했습니다 . 라흐마니노프는 크라이슬러가 자신이 창조한 아름다운 음악에 끊임없이 열광하는 낙천주의자였던 반면, 자신은 항상 더 잘할 수 있다고 생각하는 비관주의자였다고 회상했습니다. 녹음 당시 프로듀서들은 크라이슬러를 더 뛰어난 스타로 여겼기에 그의 연주가 더 돋보이도록 균형을 맞추려 했지만, 결국 라흐마니노프가 원하는 대로 여러 번 녹음하게 되었습니다. 이처럼 서로 다른 기질을 가진 두 연주자 사이의 긴장감이 음악을 더욱 풍성하게 만들며, 전체적인 음악은 단순한 두 파트의 줄다리기를 훨씬 뛰어넘는 웅장함을 보여줍니다.
마지막으로, 1919년에서 1929년 사이에 녹음된 라흐마니노프의 암피코 피아노 롤에 주목해야 합니다. 긴 종이 롤에 펀칭되었지만, 이는 "자동 연주 피아노" 롤의 단조로운 소음과는 비교할 수 없을 정도로 훨씬 정교한 기술이었습니다. 재생 장치에서 제대로 재생하면 음표뿐만 아니라 음량과 페달링까지 드러나므로 78rpm 음반에서는 부분적으로만 포착되는 미묘한 뉘앙스와 높은 음질을 모두 담아낼 수 있습니다. 쇼팽 스케르초 2번 과 같은 중요한 곡부터 "성조기"와 같은 사소한 곡까지, 라흐마니노프가 롤에만 녹음한 여섯 곡을 제외하고는 모두 기존 방식으로 녹음한 레퍼토리이며, 해석은 거의 구별할 수 없을 정도입니다. 다만 초기 롤이 후기 음반보다 약간 더 섬세한 뉘앙스를 표현합니다. 그럼에도 불구하고 탁월한 음질은 청중들이 라흐마니노프의 실제 공연에서 듣고 찬사를 보냈던 깊이와 세련미를 생생하게 전달합니다. 일부 곡은 1998년 텔락(Telarc)에서 발매된 두 장의 CD, 《A Window in Time》 과, 음질이 다소 더 선명한 데카(Decca) CD 한 장에 수록되어 있습니다 .
라흐마니노프의 원숙한 작품들은 독특하면서도 복잡한 그의 개성을 반영했습니다. 에이브럼 차신스는 그의 냉담한 태도와 야윈 얼굴을 통해 그가 세상과 거리를 두었다고 묘사했습니다(물론 그는 서커스와 잭 베니를 좋아했습니다). 
해럴드 쇤베르크는 그의 키 크고 마른 체형에 뚱한 얼굴과 짧게 자른 머리를 보고 탈옥수를 떠올렸습니다. 스트라빈스키는 그를 "키 2미터가 넘는 찡그린 얼굴"이라고 불렀습니다. 그는 인터뷰, 교육, 홍보에 관심이 없었습니다. 하지만 마틴이 지적했듯이, 세상에 드러낸 그의 모습은 그의 본질을 감추고 있었습니다. 그는 오직 음악을 통해서만 내면의 영혼을 표현했습니다. 존 컬쇼는 그를 역사상 가장 진실하고 겸손한 음악가 중 한 명으로 칭송하며, 그가 자신의 이상에 흔들림 없이 충실했다고 평가했습니다.
라흐마니노프는 음악의 사명은 감정에 조성적 표현을 부여하는 것이라고 믿었습니다. 그의 작품은 진보적인 주류 음악계에서 널리 혹평을 받았지만, 청중들은 19세기 전통을 버리지 않으려는 그의 태도를 열렬히 환영했습니다. 20세기 전통 조성에서 벗어난 음악을 이끌었던 아놀드 쇤베르크가 "아직 C장조로 쓸 음악은 많이 남아 있다"라고 말했듯이, 그럴 만한 이유가 있었습니다. 찰스 코헬린 역시 이에 동의하며 "우리 시대의 가장 큰 병폐 중 하나는 현대성을 추구하는 것이다. 중요한 것은 모방에 대한 두려움 없이 자신의 아이디어를 끝까지 밀고 나가는 것이며, 필요할 때는 미지의 길로 나아갈 용기를 갖는 것이다"라고 말했습니다.
라흐마니노프의 이상을 집약적으로 보여주는 가장 유명한 작품은 1901년 작곡된 피아노 협주곡 2번 C단조이지만 , 그의 작곡가 경력은 순탄치 않았습니다. 17세에 작곡한 첫 번째 피아노 협주곡은 단 한 번 연주된 후 출판되지 않았습니다. (오늘날 우리가 듣는 버전은 25년 후 완전히 재작업된 것입니다.) 그의 다음 주요 관현악 작품인 1895년 작곡된 교향곡 1 번은 처참한 실패작이었습니다. 영향력 있는 비평가 세자르 쿠이는 이 작품을 "지옥의 음악원에서 나온 것 같다"며 혹평했습니다. 라흐마니노프가 최고 성적으로 졸업한 모스크바 음악원의 원장 타나예프는 멜로디를 "흐물거리고 색깔이 없다"고 평했습니다. 그나마 호의적인 평을 남긴 사람은 니콜라이 핀다이젠으로, 그는 이 작품을 "아직 완전히 자신을 찾지 못한 작곡가의 산물"이라고 칭하며, 청중이 형편없는 해석 때문에 작품을 오해하고 과소평가했다고 지적했습니다. 라흐마니노프는 지휘자가 아무런 감정도 느끼지 못했고 (심지어 술에 취했을 수도 있다는) 점에는 동의했지만, 음악이 낯설었기 때문에 청중들이 작곡가를 탓하는 경향이 있다고 덧붙였다.
교향곡 1번은 생전에 다시는 연주되지 못했습니다. 라흐마니노프는 악보를 수정할 의도가 있었지만, 결국 러시아를 떠날 때 악보를 남겨두고 떠났습니다. 그는 당시 이 작품을 젊은 시절의 오만함의 산물이라며 "나약하고 유치하며, 과장되고 허풍스러운" 데다 "오케스트레이션도 엉망"이라고 일축했습니다. 그의 사후 1945년 두 대의 피아노를 위한 편곡과 보관되어 있던 오케스트라 파트 악보를 바탕으로 복원되었고, 이후 어느 정도 인기를 얻게 되었습니다. 
로버트 심슨은 흥미로운 가능성을 제기합니다. 만약 초연이 성공적이었거나 라흐마니노프가 실패의 충격을 더 잘 견뎌낼 수 있었다면, 이 작품은 그가 궁극적으로 추구했던, 보다 새롭고 활기찬 개인 스타일의 원형이 되었을지도 모른다는 것입니다.
하지만 라흐마니노프는 오히려 절망에 빠졌습니다. "화려한 음악 경력을 꿈꾸던 나의 꿈은 산산조각이 났습니다. 희망과 자신감은 완전히 무너졌죠. 마치 뇌졸중으로 쓰러져 오랫동안 머리와 손을 쓸 수 없었던 사람 같았습니다." 몇 년이 지나서야 지역 최면 치료사이자 음악 애호가였던 니콜라스 달 박사의 도움으로 무기력의 늪에서 벗어날 수 있었습니다. 달 박사는 인내심을 갖고 라흐마니노프의 자신감을 되찾아주었습니다. 라흐마니노프는 그 치료를 긍정적인 격려를 끊임없이 반복하는 것이라고 묘사했지만, 데이비드 패닝은 교양 있는 사람과 대화하는 즐거움도 큰 역할을 했다고 주장합니다. 또한 달 박사의 아내는 라흐마니노프가 그들의 딸에게 푹 빠져 있었을지도 모른다고 회상했습니다. (하지만 이듬해 라흐마니노프는 사촌과 결혼했는데, 이를 위해서는 차르의 개인적인 허락이 필요했습니다.) 어쨌든 치료는 성공적이었고 라흐마니노프의 창작 활동은 다시 활기를 되찾았습니다. 그는 1900년 여름과 가을에 새로운 피아노 협주곡의 2악장과 3악장을 작곡했습니다. 그해 12월 초연의 성공에 힘입어 1901년에 작품을 완성했습니다. 달 박사와의 상담에서 정확히 무슨 일이 있었는지는 영원히 알 수 없을지도 모르지만, 라흐마니노프는 침체기에서 벗어나 독특한 개성이 담긴 아름답고 생동감 넘치는 작품을 만들어냈습니다(그리고 그는 이 작품을 달 박사에게 헌정했습니다). 그가 꾸준히 선호했던 단조로 작곡되었지만, 이 작품은 그가 평생 집착했던 고대 애가인 ' 디에스 이라에' 를 인용하지 않은 유일한 주요 작품입니다.
피아노 협주곡 2번의 시작은 강렬한 임팩트로 그 특징을 드러냅니다. 
깊고 풍부한 피아노 화음은 라흐마니노프의 뿌리인 러시아 교회 종소리와 그의 복잡한 성격을 동시에 떠올리게 합니다. 바깥 음들은 변함없이 유지되는 반면, 안쪽 음들은 미묘하게 화음을 변화시키며, 마치 작곡가의 침울한 겉모습 속에 숨겨진 감정을 암시하는 듯합니다. 만약 이 시작 화음이 다른 악기로 연주되었다면 전혀 효과적이지 못했을 것이므로, 이는 작품 전체에서 피아노가 얼마나 중요한 역할을 하는지를 처음부터 분명히 보여줍니다. 피아노의 우월성은 이어지는 풍성한 현악 선율의 질감을 더욱 짙게 하는 폭풍 같은 음표들의 향연 속에서 확고히 드러납니다. 실제로 작품 전체에 걸쳐 피아노 독주 악기는 거의 침묵하거나 오케스트라에 주도권을 내주지 않으며, 작곡가가 본질적으로 피아니스트였음을 분명히 보여줍니다.
라흐마니노프 음악에 깊은 애정을 갖고 있으며 그의 음악에 대해 특별한 해석을 내놓는 것으로 알려진 러시아 작곡가들 중에서도 블라디미르 아슈케나지는 두 개의 훌륭하고 놀랍도록 유사한 녹음을 남겼습니다. (이는 그가 두 녹음 모두에 주도적인 해석을 제공했으며, 번스타인이 그의 두 해석에 영향을 미쳤음을 시사합니다.) 25세 때 키릴 콘드라신 과 모스크바 필 하모닉 오케스트라와 함께 녹음한 첫 번째 음반(데카, 1962)은 1972년 앙드레 프레빈 과 런던 심포니 오케스트라 와 함께 녹음한 음반(아마도 다른 어떤 음반보다 라흐마니노프 2번 교향곡의 최고 전형으로 꼽힐 것입니다 )에 비해 반주가 약간 더 강조되었고 독주 부분은 다소 개성이 덜합니다. 아슈케나지는 전형적인 러시아적 기법으로, 앞으로 돌진하기보다는 속도를 늦추고 음색을 부드럽게 함으로써 강조점을 만들어냅니다. 이 앙상블은 풍부하고 생동감 넘치며, 지속적인 현악기와 관악기 선율, 그리고 본질적으로 타악기적인 피아노 사이의 놀라운 질감 조화를 강조합니다. 라흐마니노프는 이러한 피아노 선율을 오케스트라 연주 부분 전체에 걸쳐 펼쳐지는 솔로 아르페지오로 섬세하게 표현하는 경향이 있었습니다.
제가 들어본 모든 연주 중 개인적으로 가장 좋아하는 것은 율리우스 카첸 (당시 32세) 
이 지휘 하고 게오르크 솔티가 런던 심포니 오케스트라와 함께한 1958년 필립스 음반(피스툴라리와 함께한 1949년 녹음을 리메이크한 것)입니다. 하지만 이 연주만으로 이 작품을 이해하는 것은 위험할 수도 있습니다. 카첸이 끊임없이 리듬을 변화시키는 도입부 화음부터 우리는 거칠지만 짜릿한 여정을 예감하게 됩니다. 이러한 파격적인 시작에 맞춰 음악은 멈추지 않고 솟구치며 발견과 탐험의 활력으로 가득 차 있습니다. 날카로운 금관악기 악센트로 힘차게 몰아치는 순간들이 숨 막힐 듯한 섬세함과 친밀감을 자아내는 솔로 악절로 부드럽게 이어집니다. 어떤 이들은 이러한 유쾌함을 기발하고 자기만족적이라고 여길 수도 있겠지만, 저는 진심이 담겨 있고 짜릿하며, 작곡가 자신의 녹음에서 느껴지는 즉흥적인 느낌을 떠올리게 한다고 생각합니다. 카첸과 솔티는 라흐마니노프가 다른 사람의 작품을 연주할 때 그랬던 것처럼, 원곡을 자신들만의 방식으로 재해석했습니다. 분명 라흐마니노프도 이를 одоб했을 것입니다!
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